作为复星艺术中心“中国艺术国际化”研究项目的重要组成部分与又一实践案例，复星艺术中心将于5月22日至6月21日举办艺术家沈忱个展“几何·雾”。本次展览横跨复星艺术中心二层与三层两个展览空间，集中呈现沈忱自1989年至今创作的五十余件作品。展览由鲁明军策展，通过纵向的时间脉络与艺术家横向的媒介探索，梳理其由水墨转向丙烯与综合材料的创作演进，是沈忱又一次在国内重要机构的个展。

沈忱1955年出生于上海，其早年的艺术生涯深受中国传统绘画的浸润，将水墨画中丰盈与虚无之间构筑出的抽象意境融入个人创作。在这一时期，沈忱就已经将纸张平铺于地面之上，穿着草鞋围绕四周行走或直接踩踏在纸上进行创作，成为其核心创作方法“平台式绘画”的早期实践。1988年，沈忱赴美求学，随后移居纽约。在这一时期，受贾斯珀·约翰斯（Jasper Johns）的影响，沈忱进一步思考绘画的“物化”与“去人性化特质，逐步脱离水墨媒介，以运用颜料自身的物质属性来取代笔触所承载和投射的情感。

但随后受极简主义及其相关艺术家的影响，如安格尼斯·马丁（Agnes Martin）、唐纳德·贾德（Donald Judd）、罗伯特·瑞曼（Robert Ryman）、弗雷德·桑德贝克（Fred Sandback）等人，沈忱开始在新的文化语境中重新思考绘画的材料性与形式逻辑，其画面逐渐呈现出微妙又丰富的层次渐变，且善以明暗关系展现情感张力；而对灰白棕黑色调的运用，则植根于沈忱自中国传统水墨画中汲取的哲学思维方式。22005年贾斯珀·约翰斯在大都会艺术博物馆的“灰色绘画展”也进一步启发了沈忱于2009年后逐渐形成“复色灰”的观念，他的“平台式绘画”以手工方式完成近乎机械般精确的绘制，使纵向笔划反复叠加而形成横向的延展色带，最终在画面中呈现层次堆叠的灰度。至此，沈忱创作的精神内核得以更明晰地浮现出来：在他的理解中，“气”（呼吸的运动与身体的能量）贯穿于每一笔竖直线条的落笔与收笔之间，从而展示出不断变化、无穷无尽的画面空间。

这也正是策展人鲁明军将本次展览命名为“几何·雾”的原因，沈忱的艺术语言始终在两种核心维度之间展开，一方面是理性、秩序与结构；另一方面则是模糊、流动与感知的不确定性。

展览空间的设置亦呼应了这一创作逻辑，二层展厅囊括了沈忱自2018年至今完成的多件 “平台式绘画”的画作。这些作品以高度提炼、精密排列的灰色笔触，在观者眼前铺展出一片沉静、深邃、弥漫性的“复色”；而画布上笔触开始与结束的精确轨迹，则又形成一种有秩序的、不同层次的画面。

沈忱作品多以丙烯绘制于画布或纸本之上，而连续的三联与五联画结构呈现在空间中，形成延展性的视觉节奏。但若沿展览中的画作逐一辨析，又可以看出沈忱画面中所呈现的“雾感”并不直接与色彩晕染相关，反而是由无数笔直、均匀、纵向延伸的笔触精准描绘而来。此即为沈忱作品的特性：以视觉的朦胧感显示出理性与精确的控制，因而让平面的构成秩序转化为深度的空间，两者相互转化、相互影响，最终形成一种既能延续东方传统特质，又具有绘画当代性的个人风格。

三层展厅则更为细致地追溯了艺术家早期的探索性作品与档案文献，时间跨度从赴美初期的纸本混合材料作品（如1989年的三联纸本混合材料作品、1990年代的油彩与丙烯并置实验），到2002年以宣纸裱于画布上再施水墨丙烯的复合媒介探索，再至2000年代中期“平台式绘画”过渡阶段的作品。展厅将一部分较小尺幅的早期实验性作品与文献资料并置，营造出更为内省且连贯的观看体验，使观众得以贴近艺术家的思考路径及其创作演变。

沿着展览路径回望沈忱三十余年的创作历程，可以看到一位艺术家如何在不同文化语境与媒介之间不断调整自身位置：从水墨到丙烯，从自由笔触到精确的画面排布，沈忱最终以不断重复的结构、笔触和色调中细微差异的变化，拓展了绘画的感知边界。

正如策展人鲁明军在前言中所指出的：“沈忱的绘画并非对传统水墨意境的直接转译，而是在西方现代主义的形式逻辑框架内部，重新构筑出一种可感的东方审美经验。”这片“几何·雾”不属于任何单一的文化谱系，它是两种绘画方式在一位艺术家身体力行的劳作中，悄然生成的第三种可能。